Representantes del arte conceptual y sus obras

Entre los principales representantes del arte conceptual se destacan los siguientes artistas:

1. Marcel Duchamp
2. Joseph Kosuth
3. Robert Rauschemberg
4. Yves Klein
5. Piero Manzoni
6. Yoko Ono

A continuación, hablamos con detalle de cada uno de ellos.

Como ya hemos dicho anteriormente, el arte conceptual tuvo lugar a mediados de los años sesenta como una forma de reivindicarse contra el formalismo y sus orígenes hay que buscarlos en los ready - mades, una idea que llevo a cabo el francés Marcel Duchamp entre los años 1910 – 1920.

Y es que el arte conceptual se puede manifestar a través de varios medios como puede ser el videoarte, las instalaciones, performance… y, cómo no, los ready - made que consisten en coger cualquier objeto cotidiano, que como tal no tiene ninguna función artística, y que por el mero hecho de tocarlo un artista y modificarlo dándole una nueva función, ya era considerado arte, es lo que siempre se ha calificado como el anti – arte.

Entre sus obras más significativas tenemos que citar, La Rueda de la Bicicleta que no es más que una rueda de bicicleta invertida, apoyada sobre una banqueta de madera. Y La Fuente, un urinario masculino invertido 90º de su posición original y firmado con su seudónimo “R Mutt”.

En esta otra lección de unPROFESOR te descubrimos la definición y características del arte conceptual.

Imagen: La Diaria

Joseph Kosuth (norteamericano) fue otro de los artistas pioneros que estuvo activo desde mediados de los años 50 en este tipo de arte. Kosuth exploró nuevas ideas a partir de las que desarrolló Duchamp sobre el ready - made y su planteamiento fue el siguiente: el mundo está hecho de definiciones y conceptos sobre lo que existe, es decir, el objeto existe como materia pero no es hasta que no adquiere un concepto cuando tiene un verdadero significado, formando parte en el mundo de las ideas.

Entre sus obras más sobresalientes nos encontramos con Una y tres Sillas, en la que representaba al medio una silla de madera plegable, a un lado una fotografía de la misma, y al otro, la definición de la palabra silla.

Joseph Kosuth, a través de esta obra lo que nos quería era hacernos reflexionar sobre en cuáles de los tres medios que aparecían se encontraba la identidad del objeto y es que siempre una obra de arte será equivalente a una idea, subjetiva y, como tal, multitudinaria.

Robert Rauschenberg fue un pintor y artista estadounidense que alcanzó la fama a partir de los años 50 con el Pop art, siendo uno de los principales representantes en su país, pero también con el arte conceptual.

En 1953, Rauschenberg muestra un Dibujo de Willem De Kooning, uno de los máximos representantes del expresionismo abstracto, que el mismo borró. Cuando fue expuesta la obra fueron muchas las preguntas las que suscitaron entre los espectadores acerca de la naturaleza fundamental del arte, y es que el público se preguntaba si borrar un dibujo de otro artista se podría considerar un acto creativo, solo porque lo había hecho Rauschenberg, pero… ¿y el dibujo de Willem de Kooning?

Como podemos ver, lo que se pretende a través de este arte conceptual es en todo momento cuestionarnos, criticarlo, explorarlo… llegar al fin al cabo a una reflexión.

Imagen: San Francisco Museum of Modern Art

Yves Klein ya nos anunciaba que “nada será una obra de arte porque yo lo decido”, una idea muy enlazada con el arte conceptual ya que, como dijimos en un principio, el arte conceptual se ha considerado como el anti-arte.

Yves Klein fue en todo momento consciente de que lo que estaba haciendo no era una obra de arte, sin embargo, pasó a la historia entre otras cosas por obras que, con la etiqueta no artística, llamó tanto la atención que fueron consideradas verdaderas obras de arte.

Una de sus obras más significativas fue Escultura Aerostática (1957), una obra que estuvo compuesta por 1.001 globos de color azul que fueron lanzados al aire desde la galería parisina Iris Clert con la que quiso promover su Proposición Monocromo.

Y es que la mayoría de los trabajos de Klein fue centrarse en pinturas monocromas, sobre todo en el azul, que con el tiempo quiso llevar más allá con obras de arte que se podrían considerar verdaderos espectáculos como fue el de esta obra, lanzar globos de color azul, que con el fondo del cielo también azul, se pudo ver dentro de la monocromía, la variedad de colores que existen.

Imagen: Antrophistoria

Piero Manzoni fue un artista italiano, famoso por sus célebres obras de arte conceptual, que entre otras cosas resultaron las más irónicas de este estilo. Vamos a ver cuáles fueron algunas de sus obras más significativas para que entendamos el termino de ironía.

Merda d'artista (Mierda de artista) es sin ir más allá el título de una de sus obras más polémicas, expuesta en 1961 en la Galleria Pescetto. La obra consistía en 90 latas cilíndricas, en las que supuestamente contienen sus heces fecales. Además, en las latas, como cualquier otra, aparecen las siguientes etiquetas en varios idiomas: Contenido neto: 30 gramos. Conservada al natural. Producida y envasada en mayo de 1961. Todas y cada una de ellas están enumeradas y firmadas por él en la parte superior.

Con esta obra quiso hacer una fuerte crítica contra el mercado del arte donde una simple firma de un artista con cierto renombre hace incrementar el valor de la obra, aunque lo que haya en su interior sea simplemente “una mierda”.

Y es que, sin ir más lejos, no hace mucho salió a subasta una de estas latas y alcanzó el sorprendente precio de 275.000 euros, y es parece ser que el tiempo le ha querido dar la razón a Manzoni, pues en esta sociedad de consumo donde vivimos, todo puede pasar por arte.

El artista considerado pionero del arte conceptual y creador del término arte ready made es Marcel Duchamp. Un tipo especial de arte que él realizaba como una forma de rebeldía y crítica al arte conservador y tradicional de la época. Un arte de las ideas que también adoptaron los surrealistas y los dadaístas.

El ready made puede entenderse como la reconceptualización de un objeto cotidiano, algo eminentemente práctico y común que recibe un fin artístico y un significado que trasciende su uso original. Los ready made son así objetos ya fabricados o hechos que se crean uniendo varios objetos cotidianos y transformándolos en un objeto artístico y siempre con el aspecto de ser algo hallado de manera casual por el artista.

Una forma original de hacer suyos los objetos que Marcel Duchamp puso en marcha en el año 1917 con su obra Fuente, si bien ya antes de esa fecha ya había incorporado en sus exposiciones objetos que con anterioridad tenía un uso cotidiano y que él cambiaba para darle un uso artístico.

Unos objetos que son más que un collage y que son obras hechas contra la comercialización del arte, superando esa idea de pieza de arte museable, diferenciándose de los collages en que en los ready made no existe un sentido estético. Así, Duchamp convierte en arte objetos, siendo el arte la mirada que él tiene y que nos transmite en sus presentaciones o composiciones.

Una obra de arte conceptual es una obra capaz de generar emociones a partir de objetos cotidianos, además de otorgarles funciones nuevas y crear auténticos poemas visuales. Así, la obra de arte trasciende lo físico primando el concepto o la idea que el artista desea transmitir. Los bocetos, notas, diálogos y maquetas que acompañan la realización de la obra adquieren también una gran importancia, la misma o más que el objeto una vez terminado y expuesto.

La exposición del proceso de creación y realización dan buena muestra de cómo se originó la obra de arte y cuál fue el desarrollo de la idea original del autor, adquiriendo un gran interés para comprender la obra.

La obra de arte conceptual también supone una reducción o eliminación de la distancia que existía entre el artista y el crítico de arte al acompañar a la obra con una reflexión escrita sobre la propia experiencia artística y la obra, además de sobre el trabajo de otros artistas.

Entre las principales características del arte conceptual y con las que podrás distinguir una obra y conocer en qué consiste este movimiento:

1. El término arte conceptual fue un término introducido en el arte por el artista SolLeWitt. Aunque en principio lo empleó para hacer frente a las obras creadas en los años 60 y principio por artistas como el mismo, Lawrence Weiner, On Kawara, Robert Barry y otros, terminó por hacerse evidente que también entraban en ese grupo las obras de Marcel Duchamp de comienzos del siglo XX, así como muchas otras producidas a lo largo de todo ese siglo.
2. El arte conceptual otorga más valor a la idea que a lo estético.
3. La temática es amplia y va desde la denuncia de problemas sociales, económicos y políticos a plasmar las experiencias personales de los artistas.
4. Utiliza el arte para poner de relieve y denunciar problemas sociales.
5. Busca polemizar y despertar la conciencia del espectador.
6. Utiliza la ironía y la sátira.
7. Al ser más importante el significado y el sentido que los materiales y las técnicas, la obra puede realizarse con cualquier material. Para ello se utilizan distintos medios y técnicas, además de abarcar diferentes disciplinas artísticas, desde la música a la literatura y técnicas y medios como el readymade, el collage, el videoarte, la performance, etcétera.
8. Para llamar la atención y escandalizar o golpear la conciencia del espectador el artista echa mano de todo tipo de objetos, especialmente objetos de uso cotidiano a los que se despoja de su utilización habitual. Se sacan de su contexto y se les aplica un nuevo significado. Lo importante es expresar una idea reconocible, algo que suponga una denuncia social, política, etcétera.
9. Otra de las características del arte conceptual es que sus obras requieren una mayor implicación y la actuación del espectador al verse inmerso en una obra. La interpretación y la experimentación de espectador en el proceso artístico es de gran importancia, siendo importante que éste sea capaz de reconocer la ironía, la burla y la parodia que se incluye en estas obras.
10. Se trata de romper con la creación artística tradicional y potenciar la experiencia estética. Un factor rupturista con respecto al academicismo artístico.

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