Etapas de la música

Puesto que no tenemos textos de la Prehistoria que nos indiquen con exactitud cómo era la música de este tiempo, la información la hemos obtenido gracias a la arqueología y los objetos que hemos encontrado de las personas que vivieron en esta época.

Se sabe que los instrumentos en esta etapa estaban fabricados con madera, piedra y materiales de origen animal como cuernos y pieles. También inferimos que la música debió ser utilizada en la caza y como un medio de ritual de conexión con la naturaleza y las deidades. Cabe destacar que, además de los rituales, la música podría haber sido un medio de comunicación esencial entre los miembros de las comunidades primitivas, facilitando la colaboración y la cohesión social. En esta otra lección te contamos de forma concreta cómo era la música en la Prehistoria.

Otra de las etapas de la música es durante el Mundo Antiguo. Por Mundo Antiguo nos referimos a las civilizaciones establecidas más antiguas de la humanidad: Egipto y Mesopotamia, Grecia, Roma y la China Antigua.

• En esta época ya encontramos familiares de instrumentos que conocemos hoy en día como el arpa y el oboe. En Egipto, ya se utilizaban escalas de 7 sonidos. La música era un conocimiento de prestigio al que solo tenían acceso personas como los sacerdotes. La música en Egipto también jugaba un papel crucial en ceremonias religiosas y funerarias, reflejando sus creencias sobre la vida y la muerte.
• En Grecia, se realizaban obras con argumento como dramas, tragedias y comedias, que eran acompañadas de música. La música también era una forma oral de contar historias y leyendas del pueblo. Es de ahí que la música obtiene una relación estrecha con la filosofía y la cultura. Por su parte, muchos filósofos y matemáticos estudiaban el sonido, llegando a conclusiones como la afinación pitagórica (de Pitágoras) que es la base del sistema de construcción de la escala musical.
• En Roma la música se utilizaba en un principio para ritos cristianos y alabanzas. También contribuyó al canto en latín a la música de canto gregoriano en Grecia. Posteriormente la música representó un factor humorístico y de festejo, relacionada con la vida bohemia. La música también se utilizaba en actividades militares, donde los instrumentos de viento eran esenciales para las señales y la coordinación en el campo de batalla.
• En la cultura antigua China, la música tenía un carácter especialmente secular, misterioso, legendario y era tomada en alta consideración por las dinastías. La distancia geográfica de la cultura les llevó a alejarse un poco de la música del resto de las culturas mencionadas y a tener elementos característicos propios como por ejemplo, la escala pentatónica, que no posee semitonos. La música china también se vinculaba estrechamente con la filosofía, especialmente el confucianismo, que promovía la música como medio para cultivar el alma y mantener el orden social.

La música más importante de esta época fue el canto gregoriano, que es un canto de carácter litúrgico. El canto gregoriano poseía textos en latín y era en un principio de carácter monódico (una sola línea melódica). Es a partir de estos cantos que se establece el primer sistema de escritura musical, con notas musicales y cuatro líneas para escribirlas (a diferencia del actual utilizado: el pentagrama de 5 líneas).

Aparte del canto gregoriano, se crearon canciones por parte de los llamados “menestrelli” que eran juglares y trovadores, artistas ambulantes o de entretenimiento para fiestas y banquetes en las cortes. Las obras interpretadas eran de carácter lírico y narrativo. Estos trovadores recorrían Europa, difundiendo no solo música, sino también poesía y noticias, sirviendo como un medio vital de comunicación cultural en una época de limitada movilidad e información escrita.

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Otra de las etapas de la música más destacadas es la que tuvo lugar durante el Renacimiento. Aquí, la música comienza a tomar más complejidad con la polifonía y el contrapunto, es decir, empiezan a involucrarse más líneas melódicas para jugar con el sonido a partir de la independencia de las voces, las tensiones y resoluciones en relación a sus intervalos.

Aún se da una diferenciación entre las formas musicales religiosas (misa y motete) y las populares o profanas como los madrigales y villancicos. También acompañaba danzas con música instrumental, en formas como el ricercare y la canzona. En este período, el desarrollo de la imprenta permitió una mayor difusión de las partituras musicales, lo que contribuyó a la estandarización de las formas musicales y a la ampliación del repertorio disponible para los músicos y compositores de la época.

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Puesto que este período fue definitivo para el establecimiento de las formas y estructuras de la música, a la música de este período le llamamos música clásica, teniendo su fin aproximado en la música considerada de la actualidad, en el año 1910.

Música Barroca (1600 – 1750)

Se desarrolla mayoritariamente gracias a la ópera, que tomaba lugar en los teatros acompañada de grupos de instrumentos y a partir de la cual se introduce la utilización y las bases del desarrollo del lenguaje instrumental de la orquesta sinfónica, que en esta época tenía a las cuerdas frotadas como recurso predominante.

La época barroca se caracteriza por la apreciación de la hechura, los extremos y el contraste. Musicalmente hablando, aparece la utilización del concepto de “tonalidad” y el uso continuo de los bajos. Se utilizan ritmos de compás claro y sencillo, voces extremas simultáneas, progresiones de acordes funcionales y espacios para la improvisación. En esta época se asientan las formas musicales de la ópera, el oratorio, la cantata, el concierto, la sonata y la suite entre otras.

Algunos de los músicos notables de esta etapa fueron: Johan Sebastian Bach, Georg Fredrich Händel, Antonio Vivaldi, Georg Phillip Telemann y Claudio Monteverdi. Estos compositores no solo definieron la música barroca, sino que también sentaron las bases para las futuras exploraciones musicales en términos de expresividad y estructura.

Clasicismo (1750 – 1800)

El clasicismo tiene a Viena como centro de difusión más potente, seguido por París, Berlín y Mannheim. La música del clasicismo se caracteriza por su transparencia, claridad, simetría y solidez en la tonalidad. En contraste con la época anterior del barroco, el clasicismo buscaba la naturalidad y rechazaba los excesos. Es en esta época que se establecen los modelos clásicos por excelencia de formas como la sinfonía y la sonata.

Anteriormente la música era un arte manejado principalmente por la aristocracia, pero en esta época, pasa a ser difundida mayoritariamente por el público de la burguesía, aumentando el alcance de la música al público general y de manera internacional. Dentro de los músicos relevantes de esta época tenemos a Wolfgang Amadeus Mozart, Franz Joseph Haydn, Antonio Salieri, Luigi Boccherini y Nìccolo Paganini. Además, el periodo clásico vio el nacimiento de la orquesta moderna y el auge del concierto público como forma de entretenimiento.

Romanticismo (1800 – 1860)

El Romanticismo musical es otra de las claras etapas de la música. En contraste con las corrientes anteriores, el romanticismo busca la expresión individual sentimental, la interpretación de la vida y la naturaleza. Se le da la máxima importancia a la propuesta de ideas personales y a la libertad de creación. Lo exótico era gran motivo de apreciación.

Musicalmente se da una mayor utilización de cambios armónicos, cromatismos, tonalidades menores, ampliación de rango y variedad musical. Hay mucha utilización de colores ambiguos y modulaciones. El tamaño de la orquesta creció notablemente en cantidad y en inclusión de instrumentos. También se apreciaba más el virtuosismo y la improvisación. La música romántica no solo se limitó a las formas tradicionales sino que también exploró nuevas formas y estructuras, permitiendo una mayor libertad creativa.

Algunos músicos importantes de la época: Ludwig Van Beethoven, Frédéric Chopin, Franz Liszt, Richard Wagner, Johannes Brahms, Robert Schumann, Gustav Mahler, Giuseppe Verdi, Franz Schubert, Piotr Ilich Tchaikovsky, Sergei Rachmaninoff. Estos compositores no solo ampliaron el vocabulario musical, sino que también exploraron nuevas formas de expresividad emocional.

Impresionismo (1860 – 1910)

Tiene su origen predominantemente en Francia, con los músicos Claude Debussy y Déodat de Séverac. Algunos argumentan que el impresionismo no es precisamente un género musical sino una extensión de la ideología.

En todo caso, el impresionismo musical se caracteriza por la total libertad de creatividad armónica y rítmica, que son establecidos en un principio pero manipulados durante la obra. También se retoma la utilización de escalas (modos) que habían caído en desuso durante el Barroco, donde solo se utilizaron las escalas mayor y menor. Se juega mucho con la insinuación y la sutileza, el tiempo resulta más libre y/o rubato y sobre todo, se experimenta con el timbre.

Debussy es conocido como el máximo representante del impresionismo, pero también se relacionan compositores como Maurice Ravel y Erik Satie, Manuel de Falla, Isaac Albéniz y los precursores del movimiento: Gabriel Fauré y Camille Saint-Saëns. Estos compositores no solo innovaron en la música, sino que también influyeron en otros campos artísticos, como la pintura y la literatura, reflejando un enfoque multidisciplinario en su obra.

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Y para terminar con este recorrido por las etapas de la música, ahora nos centraremos en la actualidad. La música moderna es a veces difícil de definir gracias a su amplio rango de posibilidades. La época se caracteriza por la total libertad y la utilización tanto de elementos clásicos y estructurales, como de formas de experimentación en cuanto a la ruptura de la tonalidad, formas, técnicas y colores. Uno de los conceptos más importantes de esta época es el dodecafonismo, que es música que utiliza las 12 notas de la escala cromática con total libertad, es decir de manera atonal (no hay tonalidad establecida).

Se da un fenómeno crucial en esta época: el surgimiento de la tecnología electrónica. Gracias a ella nace la posibilidad de grabar el sonido, lo que daría lugar a la industria de la música y que revolucionaría la forma de escuchar y distribuir las obras musicales. Si en un principio la música podía escucharse únicamente en vivo, ahora se podía escuchar en la comodidad del hogar, con el disco de (seguido más adelante por los casetes, los CD y la música digital) lo que da lugar luego con el nacimiento de la industria musical. También surgen posibilidades de fusión con otros medios de difusión masiva como el cine y la radio.

Dichos fenómenos darían lugar a lo que llamamos “música popular” y con ella, cientos de géneros y estilos musicales como el rock, pop, funk, folk, jazz, reggae, bossa nova, salsa, electrónica, etc. Hoy en día, la música sigue creciendo y revolucionándose con la tecnología y los avances de la informática, cambiando la manera en que escuchamos, creamos y compartimos música. Además, el fenómeno del streaming ha democratizado el acceso a la música, permitiendo a los artistas llegar a una audiencia global sin depender de grandes sellos discográficos.

Conocer acerca de la historia nos ayuda a comprender la razón de ser de muchas cosas en la actualidad, y ese entendimiento nos permite disfrutar la genialidad de las cosas que a veces damos por sentado. La música es un mundo amplio y fascinante que ha cambiado a través de los siglos y que continuamos teniendo el gusto de tener y gozar. Además, la música contemporánea sigue siendo un campo vibrante e innovador, proporcionando nuevas formas de expresión y conexión cultural en un mundo cada vez más interconectado.

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