Gustav Klimt: obras más importantes

• Klimt era pintor decorativo dedicado al embellecimiento de edificios con relieves y escenas y figuras históricas. Una estética que llevó a sus pinturas sobre lienzo, convirtiéndose en un exponente de la equiparación entre las artes decorativas y las bellas artes.
• Fue uno de los fundadores de la Secesión de Viena, en 1897, siendo elegido presiente por su personalidad rebelde y rompedora. Su fama internacional como pintor Art Nouveau más famoso contribuyó al éxito inicial de la Secesión, pero también a su decadencia cuando lo abandonó en el año 1905.
• Aunque en la actualidad su obra es icónica y muy popular, en su momento parte de sus obras fueron consideradas obscenas por su alto contenido erótico.
• Su obra es muy personal y singular, incluso en la actualidad, caracterizándose su Fase Dorada por el uso de panes de oro y plata al estilo de los mosaicos bizantinos.

Entre las obras de Gustav Klimt más destacadas se encuentra El Auditorio del Antiguo Burgtheater (1888-89), los comienzos de la carrera pictórica de Klimt.

Este fue uno de los encargos más importantes del comienzo de la carrera de Klimt. El ayuntamiento de Viena le solicitó al pintor que pintará unas imágenes del antiguo Burgtheater, la ópera de la ciudad, construida en 1741 y a demoler en ese año 1888.

Klimt eligió plasmar la disposición de los palcos de la ópera, una elección un tanto original, pero significativa dese el punto de vista arquitectónico. Una obra de estilo académico, típico de los primeros trabajos de Klimt y en el que se refleja la influencia de Hans Makart.

Otro de los aspectos de interés es el detallismo y virtuosismo de Klimt al introducir en la obra los retratos de todas aquellas personas que le solicitaron les incluyese en los palcos. Así, la obra no solo es memoria de cómo era el teatro, sino de las élites políticas, culturales y económicas de la ciudad: más de 150 individuos en total. Entre los miembros de la audiencia se encuentran el Primer Ministro de Austria, el alcalde de Viena, el cirujano Theodor Billroth, el compositor Johannes Brahms y la amante del Emperador, la actriz Katherina Schratt.

Aunque los secesionistas tenían como principio romper con las tradiciones artísticas anteriores, su relación con el pasado no fue tan simple. Así, tanto él como otros miembros del secesionismo se inspiraron en figuras y relatos míticos y alegóricos grecorromanos y de otras civilizaciones antiguas.

En este caso, Klimt reinterpreta la figura de la diosa grecorromana con colores suaves y con tendencia a la abstracción, estilo al que se sumará cuando abandone el Secesionismo. En esta obra, Klimt ofrece una imagen poderosa e imponente de Atenea, mostrando a la diosa como envuelta en una neblina y con un aspecto andrógino. La viste con un atuendo militar que la identifica como guerrera y protectora de la ciudad de Atenas, cualidades masculinas, mientras muestra sus cabellos largo y fino como muestra de su lado femenino. En su mano sostiene una figura desnuda de Nike, la representación de la victoria.

En esa niebla se ha visto una representación de lo onírico, conectando la obra con la obra de Sigmund Freud. Así, la obra sería la plasmación del ideal de mujer poderosa, objeto del deseo masculino, así como de la mujer que ansía vestirse como hombre para alcanzar un estatus de poder.

En 1894, el Ministerio de Cultura encargó a Klimt que pintara el nuevo Gran Salón de la Universidad de Viena. El trabajo de Klimt consistió en pintar tres lienzos monumentales sobre los temas de Filosofía, Medicina y Jurisprudencia, respectivamente. Cuando Klimt comenzó a pintar los lienzos en 1898 ya se había unido a la Secesión y abandonó el naturalismo. De las tres obras, Medicina fue el lienzo que más polémica generó.

Medicina muestra a Hygeia, la mitológica hija del dios de la medicina, situada en el centro inferior del lienzo e identificada por una serpiente y la copa del Leteo. Por encima de Hygeia se alza una alta columna de luz, a la derecha de la cual se eleva una red de figuras desnudas entrelazadas con el esqueleto de la Muerte. Al otro lado de la columna de luz flotaba una mujer desnuda cuya pelvis estaba inclinada hacia adelante, mientras que debajo de sus pies flotaba un bebé envuelto en tul. Esta composición generó multitud de críticas acusando a Klimt de realizar una obra pornográfica, sin referir ningún tema de medicina. La actitud de rechazo con la que se recibieron las obras de Klimt llevó al pintor a recomprar las tres obras en 1905.

El trabajo de Klimt muestra la ambigüedad de la vida humana, representando simultánea-mente el nacimiento y la muerte. El rechazo a la obra de Klimt demuestra cómo, a pesar de los grandes avances que la Secesión había hecho en los años transcurridos desde su fundación, el movimiento no había conseguido revertir las actitudes conservadoras hacia el arte moderno en Viena.

Para Klimt, todo esto fue una humillación y un rechazo público definitivos, algo por lo que no expuso en Viena durante cinco años después de 1903, y renunció a los encargos oficiales, aceptando solo asumir encargos privados. Estas tres pinturas, al igual que muchas obras de Klimt, fueron confiscadas por los nazis e incinerados en mayo de 1945 dentro del Schloss Immendorf, el castillo de la Baja Austria donde habían estado almacenados, por las tropas de las SS en retirada.

Esta es una de las obras más famosas de Klimt por ser uno de los casos de robo de arte más notorios de los realizados por los nazis. Adele Bloch-Bauer, la esposa del banquero y magnate del azúcar vienés Ferdinand Bloch-Bauer, fue una de sus musas favoritas, sirviendo de modelo para varios otros cuadros, entre ellos su famosa Judith I (1901). Aunque se rumoreaba que Klimt tuvo relaciones sentimentales con muchas de las mujeres que pintó, no se sabe cuál fue la naturaleza exacta de su relación con Adele Bloch-Bauer.

En este lienzo se percibe una disolución de la realidad abriéndose paso hacia la abstracción más pura. Así, aunque Klimt representa a Adele Bloch-Bauer sentada, siendo casi imposible discernir la forma de la silla o separar las formas de su ropa del fondo. A Klimt no le preocupaba en gran medida representar el personaje de su modelo, y menos aún proporcionar la ubicación y el contexto. El uso de pan de oro y plata muestra el alto valor y calidad de las joyas que luce Adele, así como la profundidad del amor de su esposo, quien encargó la pintura.

La obra se encuadra dentro de la "Fase Dorada" de Klimt de la primera década del siglo XX, en la que utilizó docenas de patrones dorados y tonos del metal en sus pinturas para aportar suntuosidad y lujo a sus obras. Una técnica que entronca con los mosaicos bizantinos de la Basílica de San Vital en Rávena, Italia, que visitó Klimt en diciembre de 1903. Muchos de estos mosaicos usan un fondo de oro plano similar y representan a la emperatriz bizantina Teodora. La representación de Klimt de la gargantilla usada por Adele Bloch-Bauer en este retrato está inspirada en estos mosaicos. Los historiadores del arte también señalan influencias egipcias en la forma de ojos y en el vestido de Bloch-Bauer, mientras que las espirales se asemejan a diseños de la antigua Micenas y la Grecia clásica.

Como los Bloch-Bauer eran judíos, los bienes de Ferdinand fueron saqueados por los nazis después de las anexiones de Austria y Checoslovaquia occidental en 1938. Los nazis instalaron la pintura en la Galerie Belvedere de Austria. Ferdinand murió en 1946, pero no sin antes entregar sus pinturas confiscadas, incluyéndose esta y otras cinco obras de Klimt, a sus sobrinos. Entre ellos se encontraba Maria Altmann. Ella presentó en el año 2000 una demanda para recuperar las pinturas.

El caso tuvo una enorme repercusión mediática y llegó ante la Corte Suprema de los Estados Unidos, siendo devueltas las pinturas a la familia Bloch-Bauer en 2006. Ese junio, Altmann vendió esta obra al coleccionista y magnate de los cosméticos estadounidense Ronald S Lauder por 135 millones de dólares, un precio récord pagado por cualquier pintura. Lauder entregó la pintura a la Neue Galerie de arte alemán y austriaco en Nueva York, donde se exhibe en la actualidad.

El beso es una de las obras más sensuales y populares de Klimt, y probablemente su obra más reproducida. Es también una de las pinturas claves de la llamada "Fase Dorada" de Klimt , fase que se extiende aproximadamente desde 1903-09, y está considerada como un excelente ejemplo de pintura Art Nouveau.

La obra representa a una pareja abrazada en el borde de un prado, representado por el patrón de flores luminoso, como una especie de colcha extendida bajo sus cuerpos. La construcción de la composición sugiere un alto grado de familiaridad con el movimiento Arts and Crafts. Así, el patrón de tejas planas del prado y la ropa de las figuras se asemejan a las telas producidas por William Morris a finales del siglo XIX.

El uso de materiales de pan de oro y plata muestra el alto grado de especialización alcanzada por Klimt, recordando los manuscritos medievales iluminados, si bien es mucho más preciosista y más afín con el arte bizantino, como los campos de oro para los mosaicos que había visto en Rávena en 1903.

Además, mientras Morris y fuentes medievales usan materiales preciosos para exaltar la Palabra de Dios o la gran literatura, Klimt los emplea para sacralizar la naturaleza de las relaciones humanas y el vínculo entre los amantes, un tema clave en el Art Nouveau. Así, el beso encarna una visión universal y atemporal del amor romántico.

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