Pop Art: artistas destacados y sus obras

El pop art se inspiró en la cultura de masas y el consumo capitalista para crear una estética comercial que recurrió a todos los medios posibles para criticar a esa sociedad. Un movimiento que nació a finales de la década de los 50 del siglo XX en Inglaterra, para pasar a EEUU a comienzos de la década de los 60.

Entre los principales artistas del pop art se destacan los siguientes nombres:

• Richard Hamilton (1922 – 2011)
• Jasper Johns (1930- )
• Robert Rauschenberg (1925 - 2008)
• Roy Lichtenstein (1923 – 1997)
• Tom Wesselman (1931 - 2004)
• Claes Oldenburg (1929- 2022)
• David Hockney (1939-)
• Allen Jones (1937-)
• Andy Warhol (1928-1987)

Aquí te descubrimos las características del pop art más destacadas.

El pop art llegó a España a mediados de los 60 gracias al trabajo de Equipo Crónica, un mítico grupo valenciano de artistas en el que se encontraban Manolo Valdés, Juan Antonio Toledo y Rafael Solbes. Unos artistas que mostraban en sus series de obras cómo evolucionaba la historia del arte y de las vanguardias.

Además del Equipo Crónica, entre los principales artistas españoles del pop art se destacan:

• Alfredo Alcain
• Luis Gordillo
• Carlos Pazos
• Eduardo Arroyo
• Canogar
• Juana Francés
• Darío Villalba
• Ángel Orcajo

Manolo Valdés (1942-)

Pintor y escultor que introdujo el pop art en España como expresión artística que aúna el compromiso político con la ironía y el humor. Una de las constantes de su obra son los collages. Fue el fundador del Equipo Crónica en 1964, manteniéndose en activo el grupo hasta la muerte de Rafael Solbes, otro de los fundadores. El tercer miembro del grupo, Juan Antonio Toledo, abandonó el grupo a los dos años de la fundación.

En 1989 Valdés viajó a Nueva York donde montó su estudio y siguió experimentando con las nuevas formas artísticas.

Alfredo Alcain (1936-)

Pintor muy próximo al pop art que ha dotado a sus obras de un estilo popular y cercano, partiendo de objetos sencillos y modestos y empleando diferentes soportes y técnicas: desde el cartel al bordado o el collage.

Luis Gordillo (1934-)

Pintor sevillano considerado como una de las grandes figuras del arte abstracto en España. Así, Gordillo comenzó su trayectoria artística en el informalismo para pasar al surrealismo y pasar al pop art. Su obra se destaca por su uso de la ironía y la transformación de imágenes sacadas de los mass media.

Carlos Pazos (1949-)

Pazos se sitúa entre el informalismo y el conceptualismo, arrancando su trayectoria con el pop art europeo. Su especialidad serán los ensamblajes y su relación con el arte Povera, un arte que da protagonismo a lo cotidiano. También se interesó por el surrealismo, el neodadaísmo y por figuras como Duchamp y Warhol.

Comenzamos hablando de los artistas destacados del Pop Art y sus obras hablando de Richard Hamilton. Fue un artista y diseñador británico considerado por la amplia mayoría de estudiosos como el padre del Pop Art al profetizar lo que acabaría siendo el Pop Art:

"Popular, concebido para las masas; efímero, con soluciones a corto plazo, prescindible, fácilmente olvidable; de bajo coste, producido en masa; joven, dirigido a la juventud; ingenioso; sexy; efectista; glamuroso… un gran negocio…".

Además, Hamilton creó para la exposición This is Tomorrow (1956) la que muchos consideran como la primera obra totalmente Pop, Just what it is that makes today’s homes so diferent. So apealing? (1956).

En ella, Hamilton realizó un fotomontaje en el cual se mostraba la recién llegada cultura materialista. Con ello intento contraponer los iconos “pop” a una voluntad de reflexión por parte del espectador (algo muy propio del Pop Art británico, que no tendría una cabida tan explícita en el americano).

Asimismo, vemos por primera vez la presencia del término “pop”, que el mismo artista acuñaría un año después.

Jasper Johns supuso para el Pop Art en USA, lo que R. Hamilton en el Reino Unido. Artista insaciable e inquieto, sobradamente conocidos son sus motivos de banderas americanas, números y letras, y es que, sobre él recae el mérito de haber introducido en tierras americanas unas imágenes puramente populares. Como dijo el galerista Leo Castelli, “Jasper Johns debe ser considerado como el primer artista verdaderamente norteamericano”.

En obras como Flag (1954) advertimos su talento artístico al coger un símbolo de identidad estadounidense tan fuerte y que, sin embargo, se nos plantea con ironía. A la vez que, haciendo uso (y gala) de las técnicas del Expresionismo Abstracto lanza una burla a su movimiento predecesor.

Robert Rauschenberg es una figura puente entre el Neo-Dadá y el Pop Art. Si bien su obra se inscribe dentro del segundo, su trabajo sorprende por las múltiples influencias que el observador puede apreciar. La más significativa, sin duda alguna, su pasión por el arte marginal, el cual suele incorporar en sus collages.

Lo más característico de sus obras es que estas parecen querer destacar los desechos del mundo materialista que le rodea. En obras tales como Monogram (1955) o Coca-cola Plan (1955), Raushenberg no representa lo nuevo, sino aquello ya usado y consumido, creando un debate menos irónico y más serio del que sus compañeros hicieran.

Pero, bien sabido es que la genialidad de Rauschenberg destacó en 1953 con la obra Dibujo de Kooning borrado, cuando un jovencísimo Rauschenberg pidió al, por aquel entonces Dios de la pintura contemporánea, Kooning, borrar uno de sus dibujos preferidos. Quizás, debido precisamente a esa genialidad, un dibujo suyo (junto con los de Warhol o Oldenburg) está presuntamente en la Luna.

Roy Lichtenstein es, junto a Andy Warhol, el artista Pop por antonomasia. Pese a ser un artista iniciado en el Expresionismo Abstracto, hacia 1958 su carrera dio un giro hacia la figuración mediante la incorporación de imágenes tomadas del universo de los cómics. Años más tarde, la totalidad de su producción estaba formada por iconos procedentes de los cómics y la televisión.

Amante de Picasso, en su producción advertimos una fuerte influencia del cubismo y la técnica del collage, aun siendo éste resuelto solamente en el marco teórico, pues las obras de Lichtenstein siempre fueron obras reproducidas a mano siguiendo, eso sí, la técnica del Benday de las artes gráficas.

Algunas de sus obras más célebres son Beso V (1964), Pequeña Gran Pintura (1965), Habitación de Arles (1992) o el Baile (1974), todas ellas consideradas en la actualidad como un valor mercantil destacado. Y es que con el paso de los años podemos advertir como las obras de Lichtenstein logran el estatus de aquello que imitan, un objeto de consumo.

Imagen: Saatchi Art

Tom Wesselman fue otro de los artistas destacados del Pop Art y sus obras. Fue un notable artista del Pop americano, cuyo leitmotiv fue el desnudo. Pero no un desnudo cualquiera, sino el desnudo americano, el cual consistía en la presentación de diversos desnudos femeninos rebosantes de erotismo y enmarcados en escenas, a menudo domésticas, las cuales se encastaban en sus lienzos.

Claes Oldenburg fue el responsable de materializar el concepto de objeto como monumento mediante la creación de replicas a gran escala de distintos objetos cotidianos. En obras como Spoonbridge and Cherry (1985-86), Free (1991) o Apple Core (1990) observamos piezas de esculturas blandas que han sido reforzadas mediante fibra con poliéster.

A su vez, la pensada ubicación de las esculturas de Oldenburg representa la apropiación de los objetos de consumo sobre el espacio público, una metáfora, quizás, de cómo estos han acabado colonizando todos nuestros ámbitos.

Imagen: ArtPeople.Net

Curioso el caso de David Hockney, artista que, pese a rechazar constantemente ser considerado un artista Pop, se le considera uno de los grandes dentro del movimiento. Oriundo de Inglaterra, se traslado a finales de los años cincuenta a California en busca de un ambiente más relajado y liberal.

Es precisamente este entorno desenfadado el que podemos visualizar en obras tales como la célebre The Biggesr Splah (1967), donde mediante superficies planas realizadas con acrílicos, Hockney nos presenta la inmediatez del momento en una terraza soleada de California. La belleza de su obra recae en lo intrínseco del anonimato, así como en sus planos impasibles casi abstractos.

Siendo Allen Jones miembro fundador del Pop Art británico al participar en la exposición Young Contemporaries (1961), su trabajo sigue sorprendiendo por su alta capacidad de conmocionar al espectador, sobre todo en lo referente al conjunto escultórico de fibra de vidrio Hatstand, Table and Chair (1969). En ella Jones crea un conjunto mobiliario antropomórfico y aboga mediante un figurativismo radical a la materialización de la sumisión sexuada de la mujer.

Esta representación transgrede los límites de lo políticamente correcto para destapar el debate de hasta dónde puede llegar la libertad del arte a la hora de tratar los roles de identidad sexual. Fue, es y posiblemente siga siendo, sobretodo para ojos inexpertos, una obra muy compleja; seguramente por eso Stanley Kubrick decidió usarlas en su también controvertido film A Clockwork Orange (1971).

Andy Warhol es el artista Pop por excelencia, el artista que convirtió su nombre en una marca a nivel y semejanza de aquellos iconos que representaba en sus obras. Artista y producto en si mismo, Andy Warhol cultivó un sinfín de técnicas artísticas que iban des de las más convencionales, como son la pintura o la escultura, a las más propias de su época, como los audiovisuales o las artes gráficas.

Como muchos de sus compañeros, mediante el uso de las nuevas técnicas de reproducción que le habían brindado su tiempo pretendió crear unas obras ajenas a su persona. No obstante, esa superficialidad queda a menudo desdibujada por el juego irónico de sus piezas. Por ejemplo, en su Serie de Mao de 1972 se mofa del líder comunista mediante el uso de la repetición y los colores.

Esta misma estrategia sera recurrentemente usada en sus icónicas Marylins Monroes o Lizs Taylors, aunque con ellas advertimos un trató más cariñoso y de admiración. Warhol reproducía aquello que anhelaba y que finalmente, tras su The Factory o la creación de la revista Interview, entre muchísimos otros, logró.

A la hora de definir en qué consiste o cuáles son las características básicas del pop art tenemos que señalar que:

• El pop art se inspira en la cultura de masas y utilizan para ello aquellos objetos cotidianos que están adquiriendo el carácter de iconos de su época. Unos iconos entre los que se encuentran figuras mediáticas, figuras políticas, objetos fabricados en serie, tiras cómicas, cartelería, publicidad, embalajes, etcétera.
• Se instaura una nueva idea de belleza al mostrar otro tipo de belleza al convertir cualquier artículos cotidiano en arte. Así, artistas como Warhol convirtieron algo tan corriente como una lata de sopa en arte. Para conseguir este efecto, los artistas pop art tomaron como estrategia sacar esos objetos de su contexto y convertirlos en una obra de arte. La misma técnica aplicada en el caso de los ready made.
• Los artistas no buscan la complejidad en la elaboración de la obra de arte, negando el virtuosismo en el arte como valor a ponderar.
• Por otra parte, los artistas pop art fueron rupturistas e innovadores al introducir nuevas técnicas y estilos como el cómic, el collage o la serigrafía, entre otros.
• Asimismo, se buscó pinchar el negocio del coleccionismo y la venta de arte al crear obras inclasificables e de venta imposible o compleja como, por ejemplo, los espectáculos interactivos o los happenings,
• La ironía o el humor forman parte de muchas obras de pop art al buscar siempre satirizar o ironizar sobre aspectos de la vida política, social y/o económica . La violencia, el erotismo, la sexualidad, la tecnología, el capitalismo, entre otros, se convierten en algunos de los principales temas de las obras pop art.
• Sus obras suelen ser provocadoras y buscan la polémica, resultando a veces hasta incongruentes por no crear sus intenciones lo suficientemente claras. Los artistas pop art cuestionan la creatividad de los autores, poniéndose en duda también a críticos, historiadores del arte, a los museos, etcétera.
• Tuvo una estrecha relación con la publicidad.
• Como característica estilística, el pop art presenta cierta tendencia al minimalismo.
• Otra de sus características de estilo fueron la creación de series, la repetición de objetos, el uso de colores brillantes y planos y la eliminación de sombras y de la perspectiva.
• Se emplea una mezcla de lenguaje figurativo y realista.
• Las formas se representan a escala natural o mayor.
• Se rechaza el expresionismo abstracto.
• Se busca acercar el arte al mundo y sacarlo de los museos y las galerías para introducirlo en la realidad.

Entre los principales tipos o estilos del pop art podemos destacar:

• La iconografía popular. La cultura popular y sus iconos se convierten en protagonistas. Del ratón Mickey a Marilyn Monroe, cualquier escena, producto o imagen se convierte en obra de arte pop. La imagen ha de ser reconocible, popular e impactante.
• Los colores brillantes, puros y los fluorescentes: el color vibrante aporta el dinamismo y el impacto visual que busca el arte pop. Un arte efectista al estilo de un anuncio o de cualquier producto de marketing.
• Se recurre también a las formas planas y volúmenes esquemáticos, además de texturas y materiales sorprendentes y novedosas.
• Entre los tipos más utilizados se destacan el óleo, el collage, el silkscreen, fotografías, el cómic, las esculturas, así como objetos cotidianos como señales de tráfico, latas, etcétera.

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