Cómo comentar una pintura - Pasos a seguir

La descripción de una pintura también conlleva saber cómo transmitir toda la información que recibimos de manera ordenada y precisa. Una descripción que podemos hacer siguiendo estos pasos:

1. La descripción ha de comenzar brindando el título y el autor de la obra para ofrecer ya un contexto a la pintura.
2. Después hemos de indicar las dimensiones de la pintura, esto es, su altura y anchura, además de ofrecer otros datos como el tipo de soporte: lienzo, papel, tabla, etcétera.
3. El uso del color: es preciso describir los colores que se emplean en la obra, si son saturados, suaves, apagados, vivos, además de señalar qué tipo de paleta utiliza el artista y sí es la utiliza habitualmente y qué intención puede tener al emplear determinadas gamas de color, combinaciones, contrastes de color, etcétera.
4. La composición es también fundamental a la hora de realizar la descripción de una pintura. Es importante analizar cómo están dispuestos los distintos elementos dentro del cuadro, si hay un punto focal, si la composición es simétrica o asimétrica, entre otros aspectos.
5. También hay que identificar las formas y las líneas, las figuras geométricas o las formas abstractas y describir como interactúan en la obra.
6. Es interesante ver el uso de texturas visuales o táctiles, esto es, apreciar si las pinceladas son gruesas o finas, si hay empastes, si el artista ha utilizado capas de pintura o empleado técnicas especiales para crear ese efecto texturado.
7. El espacio y la perspectiva son otros dos elementos que definen la obra. La pintura puede ser plana, bidimensional o intentar aportar profundidad tridimensional. Una ilusión de espacio para la que el pintor emplea técnicas.
8. También es interesante apuntar los detalles que destaquen en la obra, especialmente elementos simbólicos, ornamentos, etcétera.
9. Otro aspecto que aporta mucho a la descripción de la obra es señalar qué atmósfera o ambiente ha conseguido capturar el pintor y describir qué transmite: calma, emoción, tensión, misterio, entre otras emociones. Esas emociones que evoca son parte del mensaje que el artista trata de comunicar a través de su pintura.
10. Por último, es fundamental terminar identificando el estilo artístico y ofrecer toda la información adicional que se precise para entender bien el trabajo del pintor.

A la hora de hacer un análisis de una pintura es fundamental hacer un examen más profundo y reflexivo de la obra que el que se realiza en una descripción o una opinión. Así, un análisis es importante comprender su significado, su estilo, su contexto histórico y la técnica empleada por el artista. Los pasos a seguir al hacer el análisis de una pintura son los siguientes.

Observación

Este es un primer trabajo intelectual que consiste en anotar las primeras impresiones que recibimos al observar la obra. También tomaremos nota de características como los colores, formas, la composición, perspectiva y todos aquellos detalles que llamen nuestra atención.

Identificación de la obra

En la identificación de la pintura tendremos que incluir los siguientes datos:

• Título de la obra
• Autor de la obra, incluyendo también el lugar y la fecha de nacimiento y fallecimiento.
• Año de realización
• Técnicas , materiales y soportes utilizadas por el autor: pintura al óleo sobre tela, pintura mural, grabado litográfico, dibujo a tinta, etcétera.
• Estilo pictórico al que pertenece la obra: románico, gótico, renacentista, impresionista,..etcétera.
• Género: retrato, paisaje, naturaleza muerta, bodegón, histórico, religioso, mitológico, costumbrista, desnudos,etcétera.
• Dimensiones de la obra
• Ubicación de la obra. Hay que señalar en qué museo o galería se exhibe, además de señalar el país en el que se ubica.

Descripción de la obra

Análisis formal:

• Color: Descripción de la paleta de colores y cómo interactúan entre sí.
• Formas y líneas: ¿Cómo se emplean las líneas para guiar nuestra mirada? ¿Qué líenas y formas ha utilizado el autor.
• Composición: ¿Es simétrica o asimétrica? ¿Hay un punto focal o punto de interés? ¿Cómo equilibra el pintor la composición?
• Texturas y técnicas: ¿Qué tipo de pincelada utilizas: gruesa o fina? ¿Ha utilizado el autor empastes para crear texturas?
• Perspectiva y espacio: ¿Cómo ha representado el espacio el pintor? ¿La obra parece tridimensional o es plana? ¿Se utiliza la perspectiva lineal?

Interpretación:

• Mensaje y tema de la obra; ¿Cuál es el tema central?
• Atmósfera y emociones: ¿Qué atmósfera crea la obra y qué emociones despierta en el espectador?
• Simbolismo: ¿Qué símbolos o elementos simbólicos hay en la pintura y qué significados puede tener?

Técnica artística:

• Estilo artístico de la obra
• Técnica utilizada por el artista

Contexto personal del artista

Puede ser realmente relevante la vida y las experiencias personales del artista para conseguir entender la obra en su totalidad.

Contexto histórico

También es interesante hacer referencia a la época en la que se creó la obra, cómo fue recibida la obra por la crítica y el público del momento y sí generó debate o controversias, además de señalar si tiene un significado importante para la corriente artística del momento.

Conclusiones

Una breve reflexión personal sobre la obra y conclusiones sobre la misma.

Uno de los primeros pasos a seguir para comentar una pintura es identificarla. Lo primero que hay que hacer cuando estamos frente a una obra de arte, ya sea físicamente o en papel, es observarla y, en la medida de lo posible, identificarla, es decir, se trata de saber cuál es el título de la obra, el autor y la fecha en la que esté realizada, no tiene por qué ser exacta, a veces con mencionar el siglo es suficiente.

Otro de los datos que también creemos que tiene que aparecer en este primer apartado es la técnica en la que esté realizada la pintura. Dependiendo del soporte nos podemos encontrar que este realizada sobre un muro y por lo tanto sea una pintura mural, sobre una tela, que es lo que se conoce como lienzo, sobre tabla… Y la técnica, que bien puede ser al fresco, al temple, óleo, tempera, acrílica…

Igualmente, y si quieres y lo sabes, puedes poner las medidas, así como el lugar donde se encuentra expuesto, bien sea un museo, una galería etc.

Una vez identificados y clasificados los datos más informativos, procedemos a adentrarnos en la obra en sí y, para ello, lo primero que hay que saber es la temática de la obra a rasgos generales, es decir, saber si estamos ante una obra de carácter histórico, religioso, mitológica, paisajística, abstracta, costumbrista, retratista…

¿Cómo distinguirlas? Pues muy fácil: tan solo hay que hacer uso de la observación y ver qué es lo que se representa, los elementos que en ella aparecen, la simbología de estos, los personajes, cómo van vestidos, si existe un personaje principal, etc.

Imagen: Slideshare

Otro de los pasos a seguir para comentar una pintura es comentar su composición. Esta suele ser la parte más técnica del comentario y la que más “calentamientos de cabeza” produce, ya que estamos hablando que para llevar a cabo este apartado es necesario tener un mínimo de conocimiento. Tenemos que hablar de las siguientes cosas:

• Líneas: Si estas están muy marcadas, si en ellas predominan las líneas verticales, horizontales, diagonales… Si se ve perfectamente el contorno de las figuras, si son de trazo fino lo que significa que son muy precisas, tanto, que llegan a marcar hasta los detalles, si por el contrario son de trazo grueso y vemos unas pinceladas mucho más espontaneas y sueltas.
• Color: Interesante porque en muchas composiciones veremos que lo que predomina es el color frente al dibujo. De los colores se podrían decir muchas cosas: si son primarios, secundarios, si lo que predomina son los oscuros, los claros, si existen una variedad cromática, si no, si son brillantes…
• Luz: El tema de la iluminación, que se podría resumir en si es luz natural, y por lo tanto existe un foco o varios por donde a la hora de pintar incidía verdaderamente la luz sobre aquello representaba, o por el contrario es luz artificial. Tanto en una como en otras, lo que se pretende es dar un juego de luces y sombras, que a su vez están relacionados con la profundidad.
• Profundidad o perspectiva: ¿Y cómo saber si hay perspectiva en la pintura?, fácil, fíjense si las figuras a medida que se van alejando tienden a empequeñecerse, en el caso de los colores, se ve en la gradación, en la difuminación. Cuando las pinturas, son planas, que quiere decir que carece de dicha perspectiva, pasa lo contrario de lo que hemos comentado anteriormente, los colores por ejemplo son uniformes, no existe esa difuminación, un claro ejemplo de pinturas donde no existe ningún tipo de perspectiva son algunas de las obras realizadas por Henri Matisse.
• Movimiento: Las pinturas también producen sensación de movimiento o el caso contrario, sensación de quietud, por la presencia de personajes estáticos y por la predominancia de líneas rígidas frente a las que si reflejan movimiento que suelen ser más ondulantes.

En esta otra lección te hablamos de los tipos de perspectiva en una pintura.

Y para terminar, para poder saber cómo comentar una obra de arte es importante hablar del contexto de la pintura. Pero ¿qué se entiende por el contexto histórico y artístico de una obra?

Antes que artista eres persona, y como tal, el autor se sitúa en una época en concreto que se caracterizaba por darse unos acontecimientos históricos y sociales que en otras épocas no, y pueden hacer que los pintores se viera influenciados por el tiempo que lo tocó vivir. Por ejemplo, en periodos de guerra, un artista podía estar marcado por las muertes, la injusticia y a través de sus pinturas querían reflejar aquello por lo que estaba pasando, o todo lo contrario, ante esas adversidades preferían pintar cosas más alegres con tal de evadirse de esas inmoralidades.

En el terreno del contexto artístico, también se puede hablar un poco de la faceta artística del pintor, si se vio influenciado por alguna obra y la tomó como ejemplo, hablar de su ideología, es decir, había artistas que se regían por sus propios principios, anteponiéndose a los que de verdad triunfaban en la época, citar algunas de sus obras, así como mencionar datos curiosos sobre el mismo…

Y un comentario de una pintura termina con una opinión personal, bien argumentada, en la que podéis exponer si os ha gustado la obra o no, razonando sus porqués.

Imagen: blog para los alumnos de als de pmar - blogger

A la hora de dar una opinión sobre una pintura es importante saber dar forma a los pensamientos y los sentimientos que despierta en nosotros observarla. A la hora de ofrecer una opinión sobre una pintura hemos de seguir los siguientes pasos:

1. Es fundamental observar la pintura detenidamente, tomándote tu tiempo para mirar cada detalle de la pintura e ir examinando y anotando los colores, las formas, las texturas y los elementos que componen la obra.
2. Además de valorar los aspectos externos, también es importante considerar qué emociones despierta en nosotros la obra.
3. Otro punto básico es analizar la técnica y evaluar cómo es la habilidad técnica del artista. La pincelada, los colores, las formas son claves, además de ayudarnos a poder determinar el estilo y la época.
4. Interpretar el significado de la obra y comprender su mensaje o la intención que el pintor ha puesto en la pintura. La interpretación puede ser subjetiva, siendo interesante fundamentar el punto de vista que tomes a la hora de interpretar la obra.
5. Tener en cuenta el contexto histórico y artístico en el que se creó la obra. El contexto también proporciona información adicional sobre la relevancia de la obra y su significado.
6. También es importante ofrecer tu opinión considerando otras obras del artista y compararlas para intentar encontrar particularidades y patrones que se repitan.
7. Expresa qué es lo que ha despertado en ti la obra de manera mucho más clara y apoyándose en todos los aspectos que hemos analizado: técnica, contexto, tema, significado, etcétera.

Aquí te dejamos un ejemplo del Comentario de un cuadro para que veas cómo aplicar todo lo que te hemos comentado en esta lección.

Identificación de la obra

• Mardi Gras o Pierrot et Arlequin, en castellano: Martes de carnaval
• Paul Cézanne (Aix en Provence, 1839-1906)
• 1888
• Óleo sobre lienzo
• Postimpresionista
• Retrato.
• Dimensiones: 102x81 centímetros
• Localización: Museo Pushkin, Moscú

Descripción

Paul, el hijo de Cézanne, aparece vestido como Arlequín, mientras Louis Guillaume, amigo del pintor, de Pierrot. Unas figuras que se enmarcan con dos grandes cortinajes, aportando una sensación de dinamismo.

Interpretación

Cézanne pinta este cuadro inspirado en una temática clásica como es el teatro, concretamente la Comedia del Arte y sus personajes más destacados: Arlequín y Pierrot.

El pintor utiliza a su hijo y su amigo como modelos y consigue captar la atmósfera que crean ambos personajes al mostrarnos las expresiones de ambos personajes: la mirada arrogante de Arlequín, mientras Pierrot se mantiene con una expresión más abierta.

Cézanne deforma los brazos y las piernas de los protagonistas anticipando la obra de Picasso.

Análisis formal

Cézanne realiza la obra como su fuese una fotografía de los dos jóvenes antes de salir de fiesta. Las figuras aparecen enmarcadas por dos cortinajes. Los colores se utilizan de manera simbólica y contrastan los colores fríos y neutros de Pierrot y el fondo de la composición con los rojos de Arlequín. Además, Cézanne empleó el cortinaje adornado con motivos florales para destacar el traje blanco de Pierrot y el de rombos de Arlequín. Las dos figuras resultan antitéticas.

Otro de los recursos estilísticos empleados por Cézanne fue simplificar al máximo el dibujo, hasta hacer que los pies de Arlequin aparezcan deformes y alargados en exceso.

Un distorsión que también se extiende al suelo, aportando el efecto de que las figuras se deslizan hacia atrás.

El pintor eligió un punto de vista cercano y algo elevado con respecto a los protagonistas para aportar profundidad y dinamismo a toda la composición.

También resulta interesante el esfuerzo de Cézanne por mostrarnos las expresiones de los personajes. Así, el pintor retrata a Pierrot con una expresión tensa que contrasta con el ambiente cómico que caracteriza a estos personajes de la Comedia del Arte.

Técnica artística

Postimpresionista

Contexto personal del artista

En 1888, Cézanne retomó las pinturas de modelos y realizó un Arlequín, una pintura compleja que anticipa este “Martes de Carnaval” en el que retrata a su hijo como Arlequín. Su admiración por la pintura clásica está detrás de esta obra, además de su deseo de ir más allá de Impresionismo, anticipando las vanguardias.

Este cuadro supone una excepción temática en la obra de Cézanne y responde a un encargo de uno de sus amigos, Víctor Chocquet, coleccionista y admirador de la obra del pintor.

Contexto histórico

El naturalismo impresionista entró en crisis en esta década de los 80 del siglo XIX y será el simbolismo el movimiento que intente sinterizar todas las expresiones artísticas. Francia seguirá al frente de las vanguardias artísticas y aborda el postimpresionismo de la mano de figuras como Cézanne, un precursor del cubismo y el simbolismo.

Conclusiones

Esta obra anticipa las vanguardias de finales y principios del siglo XX por su forma de tratar las figuras, el empleo de la línea, el color y la perspectiva. Toda una revolución artística para la que el pintor recurre a un tema clásico, pero con un visión más moderna. Así, la comedia del Arte será también inspiración para la obra cubista de Pablo Picasso, otra de las grandes figuras del cubismo y heredero de Cézanne.

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